Parfois, j’aimerais ne rien dire des stages que j’organise. À personne. Pas même aux lieux qui les accueillent. Pas même à moi. Pour vous, ce pourrait être ça, le vrai risque : répondre à un appel à participation anonyme, sans en connaître le contenu, faire un chèque de 150 € et venir pendant cinq jours à une adresse donnée, sauter dans l’inconnu et essayer de vous y tenir. C’est salvateur, parfois. Mais en général, il faut bien dire quelque chose, rassurer. Alors appliquons-nous.

Ce stage s’inscrit dans la continuité d’expériences que j’ai menées, comme Réduire l’offre (Studio-Théâtre de Vitry, 2013) et Le Point C (La Loge, 2015). J’y accorde de l’importance pour deux raisons : 1) parce que je pense qu’il est nécessaire d’organiser de vrais temps de recherche en marge de la production artistique courante, d’avoir une pratique et une réflexion qui ne se fassent pas uniquement en vue d’une pièce, d’une représentation, d’un public, d’un succès ou d’un échec ; 2) parce que je crois à toutes les rencontres, au hasard qui les détermine, aux perspectives qu’elles ouvrent, aux souvenirs qu’elles laissent, et parce que je suis convaincu que la création se nourrit D’ABORD DE ÇA, de ces frictions entre des gens différents, mystérieux, parfois un peu bizarres, et que je considère toujours comme des personnes – non comme des « amateurs », des « professionnels » ou des
« semi-pros ».

Ce stage ouvre donc un temps de travail collectif, immersif, qui se structure autour de mises en situations et d’exercices inclassables que j’initie ; mais aussi de moments où chacun est invité à se mettre en jeu, à formaliser un geste à partir de matériaux. Ces matériaux (théâtraux, chorégraphiques, littéraires, sociologiques, politiques), ce ne sont rien d’autre que des obsessions ressassées pendant des semaines et dont je me dépouille en proposant à chacun de les retraiter, de s’en nourrir, car l’expérience m’a prouvé que c’est en livrant ses préoccupations les plus intimes que l’on peut réussir à créer du commun. Objets hétéroclites comme : des récits de rêves ; une liste de lieux interlopes que j’aime fréquenter ; des textes méconnus d’Hélène Bessette, découverts récemment et engloutis d’une traite ; ce qui se joue en ce moment Place de la République ; un corps au sol ; les phrases hachées de Samuel Beckett dans Cap au pire, poème dont le titre restera pour moi toujours d’actualité.

Parallèlement à ça, je fais comme un DJ dans un mix de soirée : j’improvise, je reconfigure, je fais prendre d’autres tournants aux journées, en fonction de ce qui a lieu et de ce qui leur manque. En fin de compte, c’est un stage interdisciplinaire qui se construit à partir des personnalités présentes, du contexte dans lequel nous sommes, de ce que les participants veulent bien lâcher. À partir des limites qu’un groupe est prêt à franchir pour abolir ses censures, s’égarer collectivement, mettre un bon gros coup de karcher dans le visage du consensus et de la normalité. Tel est mon seul espoir.

T.C.

Très souvent, la création d'une pièce m'amène à travailler avec des gens dont je suis proche, ce qui n'est pas le cas pour un stage où se côtoient toujours plein de personnes inconnues, venant parfois d'horizons très différents. Mon intérêt pour cette forme vient de là, je crois, de ces associations d'individus dont le hasard décide, du désir brut de se rencontrer, de la possibilité de ménager un temps qui permette à chacun d'ouvrir les vannes de son imagination, seule déité en laquelle j'ai toujours cru. Alors cette fois, misons tout dessus et formulons cette question à l'attention de : TOUT LE MONDE. Si certains passent leur vie à chercher leur point G, ce lieu obscur de l'organisme dont la stimulation provoque soudain le maximum de jouissance, pourrait-on, en quelques jours seulement, trouver notre point C, ce territoire commun qui serait partagé par des gens foncièrement étrangers les uns aux autres ?

Pour que les membres d'un groupe (d'une microsociété) collaborent, je crois qu'il faut travailler à partir d'histoires intimes, personnelles, non avec des thématiques bateaux censées parler au plus grand nombre mais qui, en réalité, n'intéressent personne. D'où la forme suivante : à côté de mises en situation et d'exercices que je proposerai quotidiennement, je livrerai d'emblée la liste de mes obsessions personnelles, convaincu qu'elles sauront raisonner avec celles de chacun. Nourritures aussi diverses que :
1) un quartier de Paris dans lequel j'aime me promener; 2) un lieu où je vais la nuit ; 3) un texte de Marguerite Duras équivalant à la révélation divine ; 4) ce que pourraient être les vacances ; 5) ce que veut dire le vrai théâtre ; 6) un sujet de politique culturelle qui ne manquera pas de provoquer un vif débat ; 7) Thomas Bernhard décrivant la chute d'un corps sur un trottoir en béton ; etc. À chaque fois, il s'agira de s'approprier ces matériaux hétéroclites et d'en inventer un usage artistique possible, sous une forme que chacun sera amené à définir. Enfin et parallèlement, je tiens à ce que toutes les personnes présentes s'accordent sur un projet qu'il conviendra de développer ensemble et de mener à bien tout au long de la semaine.

Ce stage, qui prendra donc la forme d'une expérience collective, sera ouvert à tous : acteurs, danseurs, étudiants, ennemis de l'art, ébénistes, hommes-orchestre, amnésiques, incompétents. Il sera bien sûr découpé en différents temps mais restera aussi suffisamment lâche pour ne pas tomber dans la réalisation stakhanoviste d'un programme et pour cultiver le sens de l'inabouti. Sera-t-il sa propre fin ou connaîtra-il un avenir ? Seule l'étendue du point C le dira. Toujours est-il que nous essayerons de créer une communauté de pensée et d'action, un cercle souterrain et éphémère ou, dit en d'autres termes, un mouvement (une convulsion ?) qui ne pourra jamais être vendu, jamais devenir une marchandise.

T.C.

À l’heure où se multiplient les workshops sur tous les sujets et où le marché de l’art se flatte de proposer une offre toujours plus large, il me semble urgent de ménager un espace qui oppose le vide au remplissage, le rien à la prolifération, la perte aux gains que les consommateurs culturels sont censés retirer de chaque prestation.

Ce stage invite donc des participants à aller à l’encontre des exigences de productivité par des stratégies de ralentissement, de retard, de stagnation voire même d’inactivité. Dans un contexte où un grand nombre d’artistes cherche à apparaître sans discontinuer et à produire le plus possible pour exister, les participants seront enjoints, au contraire, à envisager leur disparition, l’effacement de leurs gestes et la mise entre parenthèses de leur posture singulière. En ce sens, il ne leur sera pas tant demandé de « ne rien faire » que de « faire rien », c’est-à-dire d’expérimenter des actions qui se situent à la lisière du domaine de l’art et de la vie ordinaire et qui « [construisent] des intensités par soustraction » (Thierry Davila). Une démarche de ce type, fondée sur la présence, la précision et le souci du détail, implique de prendre part à des propositions confidentielles ou fantômes, imperceptibles ou invisibles, pouvant s’inscrire en dehors de l’espace scénique et aller jusqu’à se dispenser de la présence d’un public. Dans tous les cas, il s’agira de penser l’absence de création et de développer un comportement plutôt que d’élaborer un objet.

Ce stage s’articule autour de deux sessions : lors d’un premier week-end, les participants seront impliqués dans différentes expériences en lien avec la notion de déproduction (production sur un mode mineur), qu’ils aborderont aussi sous un angle théorique grâce à la présentation de quelques œuvres ; dans la continuité de ce premier temps, ils s’empareront d’un deuxième week-end pour concevoir une proposition qu’ils devront réaliser individuellement. Conçu comme une matrice, ce stage est amené à se reconfigurer en fonction de l’identité et de l’engagement des participants. Pour cette raison, il est ouvert en priorité aux amateurs mais aussi aux personnes plus expérimentées qui souhaiteraient s’investir pour formuler un geste critique avec leur corps.

T.C.